lunes

Ficha técnica "Tiempos Modernos"


Título Original: Modern Times
Director y Guionista: Charles Chaplin
Productora:  United Artists
Una producción de: Charles Chaplin
Directores artísticos: Charles D. Hall y Rusell Spencer
Montador: Charles Chaplin
Compositor: Charles Chaplin
Fotografía:  Rollie Totheroh & Ira Morgan
Director Musical: Alfred Newman
Arreglos Musicales: Edward Powell y David Raksin
Año de producción: 1936
Duración: 87 minutos
Nacionalidad: EE.UU
Genero: Comedia
Formato: 1.33
Sinopsis: La película está protagonizada por un obrero metalúrgico, que por el frenético ritmo de la cadena de montaje, donde trabaja apretando tuercas, acaba perdiendo la razón. Después de recuperarse en un hospital sale y es encarcelado por participar en una manifestación en la que se encontró por casualidad en la calle. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, por lo que queda en libertad. Una vez fuera, lucha por sobrevivir en compañía de una pobre joven huérfana a la que conoce en la calle, que se dedicaba a robar comida.

miércoles

Tipos de recursos estilisticos de la publicidad

Símil, comparación, analogía. Consiste en mostrar dos elementos, dos personajes, con el fin de establecer una comparación entre ellos.
En este anuncio se compara la calidad y el precio del mismo preducto pero de diferentes marcas.

https://youtu.be/77WCmRWKGp8

La personificación. Se atribuyen cualidades humanas a objetos y animales.



En este anuncio se representa a la comida en forma de mujer en postura sexy.

En este anuncio se representan a las botellas como personas, vestidas con chaqueta y vestido.

https://youtu.be/cfRz-2wqaOA


      La metáfora visual. Se trata de designar un objeto por medio de otros con los que mantiene una relación de semejanza.


En esta imagen se utilizan las patatas fritas para formar el simbolo del Wi-Fi, hablando así de que en los restaurantes de Mcdonald's puedes encontrar internet gratis.

En este anuncio se representa el bote de Ketchup para representar un tomate.

     La hipérbole. Se recurre a una exageración desmesurada para calificar un producto o destacar la idea que se pretende expresar.






Personaje famoso. Con este recurso se pretende dar prestigio y calidad al producto



https://youtu.be/xKDYA8yhrGo


     Sinécdoque. Consiste en mostrar la imagen de parte de una cosa como si fuese la cosa completa.
    

Contrasentido. Consiste en integrar en una imagen realista dos cosas que el sentido común no pondría nunca juntas.




Repetición. Uso de figuras o formas similares.




Animación. Uso de imágenes animadas manuales o creadas a ordenador.


https://youtu.be/F1Y9hebNryA


domingo

Análisis de imágenes propias

Esta imagen presenta un formato rectangular y orientación horizontal. La imagen presenta una composición en forma de diagonal descendente, que empieza desde la esquina superior izquierda y baja hasta llegar a la taza, que es la figura de mayor peso visual. La taza, al estar colocada en un lado y no en el centro, transmite un poco de inestabilidad. La composición está marcada principalmente por los libros, que están colocados en escala de mayor a menor tamaño, formando una diagonal.


Con respecto a la luz, podemos decir que es una clave de luz alta, ya que está bien iluminada, pero sin llegar a estar sobreexpuesta. Se trata de una luz natural que proviene de una ventana situada a la derecha, por lo que se trataría de una luz laterak y también difusa, ya que no crea grandes contrastes en las sombras.
Con respecto al color, la imagen está en blanco y negro, por lo que son colores desaturados. Algunos grises son más brillantes que otros. En esta imagen podemos encontrar un ley de la Gestalt, la ley de figura y fondo, en la que la figura destaca sobre el fondo por su color, forma o textura, en este caso por color, ya que hay algunos libros que son practicamente negros, contrastando con el fondo que es un gris muy luminoso. Además, los libros oscuros, aparte de contrastar con el fondo, contrastan también con los demás libros claros.
La textura se trata de una textura táctil, ya que se puede percibir tanto con la vista como con el tacto, y se trata de una textura artificial y geométrica, ya que no son formas naturales, sino que están realizadas por el hombre.




Esta imagen presenta un formato rectangular y una orientación horizontal. La imagen presenta una composición en la que podemos observar una simetría radial, partiendo todos los radios desde el centro de la cúpula. También se podría presentar una simetría axial.

 Con respecto a la luz, podemos hablar de que presenta una clave de luz alta, ya que presenta buena iluminación, aunque no lo aparenta debido a los colores, que son colores desaturados, principalmente el marrón y el dorado, y también son colores con poca luminosidad, sin destacar mucho. La imagen no presenta contraste, ya que no hay ningún foco de luz que le haga crear sombras marcadas ni tampoco hay contraste entre los colores. La textura es táctil, ya que se puede percibir con la vista y con el tacto, y también se trata de una textura artificial y geométrica, ya que fue creada por el hombre y no son figuras naturales.


Esta imagen presenta un formato rectangular y una orientación horizontal. La imagen presenta una composición circular, formada por el espejo de una moto, donde se concentra la zona más importante de la imagen, siendo esta el punto de mayor interés. Como la zona de mayor peso visual está situada en el centro, la imagen transmitie equilibrio. Además, dentro de la moto, podemos encontrar un esquema compositivo en forma de triángulo, marcado por la cabeza de la persona  y por los brazos de la chica. En el triángulo, la zona de mayor interés sería la cabeza de la chica.
Con respecto a la luz, podemos decir que la clave de luz es un poco baja, aunque la imagen que aparece dentro del círculo podemos decir que es una clave de luz alta, ya que está bien iluminada, pero sin estar sobreexpuesta. Con respecto al color, podemos decir que son colores desturados, ya que es una imagen en blanco y negro. En la imagen podemos observar varios contrastes: por un lado observamos un contraste con respecto al color, ya que la parte de cielo qur aparece en el espejo contrasta con el resto de la imagen, que es más oscura. También podemos encontrar un contraste de texturas, ya que el espejo contrasta con la textura de la pared, que está hecha de ladrillos. Podemos ver en la imagen tambien la ley de figura y fondo, ya que la imagen del espejo contrasta con el fondo, ya que este es muy oscuro y el espejo es muy luminoso. La textura que aparece en la imagen es una textura táctil, geométrica y artificial.


Esta imagen presenta un formato rectangular y una orientación horizontal. En la imagen se puede observar la regla de los tercios, en la que la imagen queda divida en 9 partes mediante tres líneas horizontales y tres verticales, y el objeto se coloca en una de estas líneas o también en uno de los puntos en los que se cortan. En este caso, la figura de la chica se sitúa en una de las líneas.

Con respecto a la luz, podemos hablar de que presenta una clave de luz alta, ya que está bien iluminada pero sin estar sobreexpuesta. La luz es natural y es una luz dura, ya que crea unas sombras muy marcadas en la pared. Con respecto al color, podemos decir que son colores con poco saturación y brillantes, aunque muchos de los colores son negros. En la imagen podemos observar varios contrastes: por un lado está el contraste de luz, ya que las sombras contrastan con las zonas iluminadas y por otro lado está el contraste de texturas, que da lugar a la ley de figura y fondo, ya que la figura destaca sobre el fondo ya que este presenta una textura de ladrillos y tambien porque es más luminoso que la figura, cuya ropa es muy oscura. La textura se trata de una textura táctil, artificial y geometrica.



Esta imagen presenta un formato rectangular y una orientación horizontal. En esta imagen podemos observar la presencia de la ley de la balanza o de compensacion de masas, pero en lugar de ser por color, es por forma ya que el objeto de la derecha es más grande, pero en la izquierda hay dos objetos que son la mitad de grande pero que juntos ocupan el mismo espacio, por lo que hay un equilibrio.
Con respecto a la luz, podemos decir que se trata de una imagen con una clave de luz alta, ya que está bien iluminada. Con respecto al color, podemis decir que son colores desaturados, ya que es una imagen en blanco y negro. Podemos observar la ley de la figura y fondo, ya que los tableros destacan sobre el fondo, ya que este es muy brillante y los objetos son muchos más oscuros. 

Esta imagen presenta un formato rectangular y una orientación vertical. En esta imagen podemos observar un esquema compositivo en forma de triángulo, que va desde la cabeza hasta las esquinas inferiores de la imagen, marcado principalmente por los brazos. La zona de mayor interés es la cámara, que al estar situada en el centro de la imagen, transmite equilibrio.
Con respecto al color, podemos decir que son colores brillantes pero no muy saturados, ya que no son muy llamativos. Con respecto a la luz, podenos decir que presenta una clave de luz alta, ya que la imagen está bien iluminada pero no llega a estar sobreexpuesta. La luz es natural y es también difusa, ya que no presenta sombras marcadas. En la imagen podemos observar un poco de la ley de figura y fondo, ya que la figura destaca sobre el fondo, que presenta una textura a rayas, diferenciandose así de la figura. La textura de la imagen es táctil, artifial, y geométrica.

Diseño de un logo

En esta actividad teníamos que realizar un logo para el instituto. En primer lugar, realicé un boceto en el que dibujé un pincel, que está realizado en una sila línea y junto a éste dibujé una mancha de pintura que iría desde el pincel hasta arriba enmarcando las iniciales del instituto, pero no me convencía. Luego realicé una especie de boceto donde intenté mezclar las iniciales, pero descarte la idea porque era demasiado simple. Después, volví a usar la idea de la mancha de pintura, pero esta vez lo que hice fue dibujar las iniciales del insituto con una tipografía clásica y elegante y luego esta estaría rodeada por una mancha de pintura azul que tendría forma circular.

Más tardé, la profesora nos dijo que había que poner IES José María Infantes, por lo que lo de poner las iniciales lo tuve que descartar. Seguí usando el boceto de la mancha azul, pero en lugar de colocar las iniciales, coloqué lo que ella nos dijo.
Cuando lo acabé, se me ocurrió hacer la mancha, pero en lugar de repasar los bordes perfectamente, pensé en hacer las líneas más sueltas, dejando huecos en blanco y adentrándose en la mancha, porque creo que le daba más dinamismo y vida a la mancha. Usé una tipografía simple, para hacerla más moderna y pinte la macha de color azul, porque me parecía un color llamativo pero no demasiado agresivo, como si hubiese colocado la mancha de rojo

lunes

La publicidad

La Publicidad es el conjunto de estrategias con las que una empresa da a conocer sus productos a la sociedad. La publicidad utiliza como principal herramienta los medios de comunicacion. Estos son tan diversos y tienen tanta expansión e impacto en el público en general que son fundamentales para el comercio en general.

TIPOS DE ANUNCIOS

Los anuncios publicitarios pueden clasificarse de tres maneras atendiendo al contenido de su mensaje:


- Publicidad de producto: si los anuncios ofertan objetos concretos que pueden comprarse de manera individual.

https://youtu.be/NPiCtM8cq9o


https://youtu.be/1Ov-iRYm1ZM

- Publicidad de servicios: Cuando lo que se anuncian son hechos, acciones o funciones que realizan grandes empresas como bancos, compañías estatales, emisoras de televisión y radio…



 - Publicidad de consejos institucionales: Más que anunciar un producto contiene recomendaciones de alguna institución pública dirigidas a la población.


sábado

Análisis de obras de arte


La adoración de los Reyes Magos, Rubens

La obra barroca se presenta en un formato horizontal, en la que se transmite una sensación de movimiento y alboroto debido a las figuras ampulosas con unas posturas retorcidas y marcados escorzos y debido también a que el punto de mayor interés se encuentra en una esquina y no en el centro.
El punto de interés de la obra es el niño, que es el que tiene mayor peso visual, ya que se encuentra situado en la parte inferior del cuadro. Está remarcado por una luz que emana de él. Esta luz, a su vez, ilumina toda la escena, que está ambientada de noche. La luz es algo muy importante en esta obra, ya que se utiliza para dar profundidad, iluminando así a los personajes que se encuentran más cerca del niño y dejando en penumbra o sombreando aquellos que se encuentran más alejados de él.
Los colores empleados son: colores cálidos y un poco más saturados en las zonas o los personajes que más cerca están del niño (ya que están iluminados por una luz cálida) destacando los ocres, marrones y sobre todo el rojo (túnica, detalles de las telas) y los colores fríos, oscuros y menos saturados cuanto más lejos están del foco de luz, destacando los grises, negros y azules.
          El color ayuda también a marcar la profundidad, ya que los colores oscuros representan las zonas más alejadas como el paisaje del fondo o los personajes situados más al fondo.


           La composición es en diagonal y descendente, originada en la esquina superior derecha y terminando en el niño, que se encuentra en el lateral inferior izquierdo.
Los elementos que crean esta composición son la luz, el color (ambos ayudan a crear la profundidad de la escena) y los personajes dispuestos en escala, que se van situando más bajos cuanto más cerca están del niño, que se encuentra en la esquina inferior.
Con respecto a la iconicidad, según la escala de Abraham Moles, ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.



  Cristo crucificado, Velázquez

La obra barroca se presenta en un formato vertical, en la que la figura se encuentra colocada totalmente en el centro, en una cruz transmitiendo así una sensación de equilibrio. Es un formato propio de temas religiosos ya que potencia el sentido de elevación y espiritualidad.
El punto de interés de la obra es la figura, y de esta, la cabeza, que está remarcada por una luz que emana de él. La luz es algo muy importante en esta obra, ya que se utiliza para destacar lo más importante de la escena, que es el cuerpo del Cristo. Se usa también para dar volumen, dejando algunas zonas en sombras, como la axila, la parte del cuello y el rostro o incluso la propia sombra de la figura sobre el fondo oscuro.
En este cuadro, el color también se utiliza para dar importancia: en el cuerpo se utiliza un tono de piel muy claro y luminoso que contrasta sobe un fondo muy oscuro y simple, que no llama la atención (típico en Velázquez). Esto se trataría de una de las leyes de la Gestalt: el principio de figura y fondo, en el que la figura destaca sobre el fondo ya sea por su textura, color o luminosidad.



El esquema compositivo que sigue es en forma de T. También podemos observar que se produce una composición por simetría axial, ya que se produce un eje imaginario situado en la mitad del soporte. El peso de los signos visuales a cada uno de los lados es el mismo, y es por eso que transmite sensación de equilibrio.
    La textura también se utiliza para dar contraste: la textura del paño de la cintura, la textura del pelo o la de la corona de espina contrastan todas con la textura suave y lisa de la piel. Todas estas texturas se tratarían de texturas táctiles, ya que se pueden observar con la vista pero también con el tacto.
Los elementos que crean esta composición son la luz, el color y también, la forma, que es la que presenta el esquema en T y también presenta la simetría radial.
    Con respecto a la iconicidad, según la escala de Abraham Moles, ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista




 La cena de Emaus, Caravaggio


La obra barroca se presenta en un formato horizontal, transmitiendo una sensación de un poco de alboroto marcada por los escorzos, que a su vez también transmiten sensación de profundidad.
El punto de interés de la obra es Jesús, que aparece en el centro de la composición. Destaca principalmente por la luminosidad que presentan su rostro y el paño que lleva sobre su hombro, además del color rojo de la túnica, que destaca sobre los negros y marrones del resto de la obra. La luz, es un factor muy importante en esta obra: se ilumina aquello que se quiere mostrar, quedando en penumbra el resto de la escena (Tenebrismo). La luz aporta volumen a las figuras y da profundidad a la escena.
La escena está bañada por una luz dura que llega desde el ángulo superior izquierdo, contribuyendo tanto a la sobriedad como al dramatismo de la obra.
Los colores empleados en la obra son principalmente colores cálidos y oscuros, como los ocres marrones, negros…, aunque también destacan la luminosidad de los colores que poseen los paños blancos o el rostro de Jesús.



La composición es diagonal y descendente, originada desde el rostro de la figura que se encuentra de pie a la izquierda. Los elementos que crean esta composición son: la luz y los personajes dispuestos en escala.
La textura es táctil, natural y orgánica.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.



La muerte de la Virgen, Caravaggio

La obra barroca se presenta en un formato vertical, transmitiendo la sensación visual de equilibrio y elevación. Es un formato propio de temas religiosos ya que potencia el sentido de elevación y espiritualidad
La zona de mayor peso visual se encuentra en la esquina inferior derecha, la virgen, seguido de esto, el recorrido visual llega hasta los apóstoles situados en la zona izquierda en penumbra, pasando por Maria Magdalena.
La obra presenta cierta inestabilidad ya que la zona de mayor peso visual se encuentra a la derecha.


Según la relación figura – fondo, presenta mayor importancia la virgen,  la cual es bañada por una luz dura que llega desde el ángulo superior izquierdo, contribuyendo tanto a la sobriedad como al dramatismo de la obra.



La luz, es un factor muy importante en esta obra, se ilumina aquello que se quiere mostrar, quedando en penumbra el resto de la escena (Tenebrismo). La luz aporta volumen a las figuras y da profundidad a la escena.



 La composición es diagonal, originada desde el rostro de la virgen, situada en un plano oblicuo. Los elementos que crean esta composición son; la luz, los personajes dispuestos en escala y el cortinaje.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
Los colores empleados son rojos y ocres aunque también verde, color complementario del rojo. Estos contrastan con las zonas en penumbra.

La textura es táctil, natural y orgánica.






La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, Rembrandt

La obra se presenta en un formato horizontal transmitiendo calma y estabilidad, también crea un efecto de orden en los elementos.


El recorrido visual se inicia con el cadáver, el gran foco de atención debido a su posición en primer plano y a su brillo. Desde él, el recorrido continua elevándose a las cabezas iluminadas de los aislantes, cuyas expresiones reflejan diferentes grados y puntos de atención, y después, a la cara y manos del Dr. Tulp.


La imagen presenta una composición triangular, donde todos los representados tienen las mismas dimensiones.


La luz es irreal y artificiosa, procede de arriba, lo que realza la frialdad del cadáver y interés que muestran los asistentes.
El claroscuro da emoción a la escena y da a las figuras un carácter escultórico, sin llegar a ser tenebrismo.
El rojo del brazo diseccionado resalta notablemente en una composición dominada por los colores blanco y negro de las ropas.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
La textura es táctil, natural y orgánica.
La profundidad se ve favorecida por el cadáver.





Tondo Doni, Miguel Ángel
La obra se presenta en un formato circular, creando una composición con fuerza y movimiento donde las figuras conquistan por completo el espacio.


El punto de interés es la escena principal, en primer plano, la Virgen María cogiendo o entregando el niño a José (Escorzo muy exagerado)




La Sagrada Familia se dispone a través de una composición piramidal y con un claro movimiento espiral



La luz es dura, proviene del lateral izquierdo e impacta en las figuras. Predominan los tonos ocres, seguidos de verdes y azules con un poco de saturación.


La estructura es pentagonal, inscrita al formato circular, mostrando la dirección de las líneas maestras de las que el artista se sirvió para organizar la composición.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista

La textura es táctil, natural y orgánica.






El descendimiento de la Cruz, Roger Van Der Weyden


El tema seleccionado por el artista es idóneo, ya que le permite la exaltación de emociones, y, donde mejor que en la escena del descendimiento de Jesucristo de la Cruz,  en brazos de José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante; mientras la Virgen María cae desmayada sostenida por San Juan y una de las santas mujeres.

En la composición de la obra, la horizontalidad queda recortada por la verticalidad tajante de la cruz, además la organización y corte de la tabla nos recuerda a los trípticos (unidos por bisagras) que se comenzaron a hacer en esaépoca. composición queda cerrada por María Magdalena y San Juan Bautista, con movimientos contrarios y complementarios, que enmarcan toda la escena. Las figuras principales en esta obra, no son otras que el cuerpo de Cristo y el de la Virgen María desmayada ante esta situación. Van der Weyden establece dos diagonales que nos ayudan a crear un paralelismo entre ambos cuerpos. Aunque los dos se encuentran en la misma posición (con forma de flecha y en diagonal), podemos ver perfectamente cuál representa la vida y cuál la muerte.Por último, resaltamos la iconografía de la calavera situada en el suelo, como símbolo de la idea de la muerte. La técnica que el autor emplea es minuciosa ya que tiene un dibujo con finas líneas que delimitan las formas y una riqueza cromática realmente excepcional. donde predominan el rojo de la túnica de san Juan, el verde de una de las mujeres y el azul de la Virgen así como la riqueza en el estofado de oro que decora el manto de Nicodemo. Las ropas son abundantes, cayendo en forma de plegados quebrados tan característicos de la escuela y que crean efectos de claroscuro de gran belleza. 




El nacimiento de Venus, Boticelli
"El nacimiento de Venus", realizado en témpera sobre lienzo por el pintor Sandro Botticelli en 1485. Se trata, por lo tanto, de una obra pictórica representativa del Renacimiento italiano, concretamente del período del Quatrocentto.El cuadro se compone de cuatro figuras, tres femeninas y una masculina. El centro de la composición está ocupado por una figura femenina desnuda que identificamos con Venus. Ésta ocupa el eje central imaginario de un triangulo formado por dos diagonales creadas a nuestra derecha por otra figura femenina, posiblemente Flora, como podríamos deducir de su cinturón de rosas, o una de las Horas, vestida con túnica floreada y que parece avanzar hacia la diosa con un manto que ondea en dirección opuesta al avance de la joven, por el impulso del viento que soplan las dos figuras del la opuesto, una masculina y otra femenina que identificamos como los vientos Céfiro y Aura. La escena se sitúa en un paisaje formado por el mar de color turquesa y una orilla con prados y algunos árboles situados a nuestra derecha. Se trata de un paisaje idealizado acorde con el conjunto de la escena.
Respecto a la técnica, predomina el dibujo con unas líneas precisas que limitan los contornos de las figuras, ropas y paisaje. Sin embargo, toda la composición se caracteriza por la utilización de líneas sinuosas, como el propio cuerpo de Venus que adopta la clásica postura del contrapposto. Esta postura, por la cual la joven diosa deja caer peso de su cuerpo sobre la pierna izquierda mientras que flexiona y retocede la izquierda, se inspira directamente en la estatuaria griega, si bien, en el caso de esta figura todo el peso se desplaza hacia nuestra derecha, lo que genera la sensación de liviandad como si se desplazara sobre las olas en dirección a la orilla.
Respecto a los colores utilizados, predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, verdes, celestes, rosas y naranjas acompañados de toques dorados en las alas de los vientos. Una luz uniforme,proveniente de nuestra derecha   recorre la escena y modela las figuras y el entorno sin grandes contrastes de luces y sombras.




 Creación de Adán
Ésta obra fue realizada por el pintor Miguel Ángel Buonarrotti en el año 1510. Este cuadro es un fragmento del decorado de la Capilla Sixtina del Vaticano, que se encuentra en Roma. 
Esta obra es una pintura. La técnica utilizada es pintura al fresco.Esta obra es un fragmento de la bóveda de la Capilla Sixtina, es una de las escenas bíblicas que Miguel Ángel representó. Esta pintura se puede reconocer fácilmente todos los elementos que la componen. La obra consta de dos elementos principales, Adán y Dios. En la izquierda del cuadro está Adán, él está recostado, totalmente desnudo. A la derecha del cuadro, aparece Dios, él está representado sobre una nube rodeada de ángeles. En el centro del cuadro aparece la imagen de la unión de las manos de Adán y Dios, sus manos están unidas por sus dedos, ese punto es por donde se transmite toda la fuerza para darle vida a Adán. Las formas que predominan en este cuadro son formas naturales. Adán, Dios y los ángeles han sido representado de una manera natural. 
También predomina la forma circular en la nube sobre la que está Dios. Miguel Ángel ha colocado estas figuras en un orden lógico, a la izquierda del cuadro está Adán recostado, en el lado opuesto del cuadro está Dios con los ángeles en los rostros de los personajes vemos cómo el autor emplea su técnica que es la terribilitá la cual está muy bien marcada en la cara del creador, mientras que en la cara de Adán vemos cómo es una cara de inocencia y puro ya que acaba de ser creado y no puede pecar. Los colores que componente esta obra son colores apagados. La gama que predomina es la de colores fríos. El color que predomina en le cuadro es el color del fondo, ese color es blanquecino, este color le da un toque de luz al cuadro, dejando el primer plano, es decir a Adán y a Dios con un contraste de luz. También predomina el color verde en la superficie sobre la que está Adán y en una especie de fular que cae de una de los ángeles que rodea a Dios. Otro color que predomina en el cuadro pero en menos cantidad es el color rojo, que está en la nube sobre la que Dios baja a la superficie también se dice que la nube en la que se encuentra el creador de trata de un cerebro ya que Miguel Ángel tenía conocimientos de anatomía humana








La composición tiene una gran compacidad y monumentalidad. Sigue un es quema piramidal y rsalta la unidad armoniosa de las dos figuras.Para conseguir el perfil triangular requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, ajustando así mejor el cuerpo masculinosegún un hipotetico eje quebrado. Comuniando asi estabilidad y reposo.
La expresión es figurativa, naturalista pero idealizada.
La primera impresión es que responde a proporciones canónicas de unos arquetipos de belleza serena y majestuosa, y estos principios son totalmente aplicables a la figura masculina, cuya desnudez permite, además, un alarde de virtuosismo en la representacion de la anatomía humana.
La mujer sin embargo, pese a tener la cabeza de igual tamaño al de la otra figura es mucho más grande y sus proporciones  resultan disparatadas pero en su conjunto son convincentes.
Los signos visuales se encuentran colocados en el centro que como bien hemos hablado antes equilibran y tiene mucha estibilidad.
hay una relación de figura y fondo, ya que ambos poseen un valor similar. La línea de contorno perteneceigual a la ley de figura y fondo, por eso su situación determina una correcta composición.
Tiene una orientación y equilibrio vertical.
El material de lacual la figura esta compuesta es de mármol blanco que con el fondo negro hace un contraste el cual resalta la figura en si.
Las superrficies ofrecen un acabado exquisito con cualidades de esmalte y textura tersa, que contrastan con la base de áspera tierra. 




LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL).

Pintura al fresco (sobre la pared) Vaticano, Roma (1509-1510). Representa una escena del mundo clásico idealidaza y su relación con la filosofía.
Tiene una composición simétrica, con un gran eje axial que, pasando entre Platón y Arisóteles, divide en dos partes el cuadro. A cada lado de él aparecen los grupos compensados.
Por otra parte, y en perfecto equilibrio, se obserba otro eje (horizontal) que recorre por las cabezas del grupo principal. La drama de líneas crea, de esta forma, una forma octogonal en donde predomina la línea recta, el ángulo recto y las formas rectángulares y semicirculares.
La línea y el color, predomina la primera. En general se puede hablar de detallismo, especialmente en los rostros y la descripción de la propia arquitectura.
En cuanto al color, como es típico de la época, se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear armonía.
La luz natural con fines representativos ( crear volumen por medio de claroscuro ,luces y sombras). El foco cenital ( procede desde arriba) y procura distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes.
Tiene un perspectova líneal creada a través de la arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas de los dos filosofos del centro) que vuelve a insistir en la idea de símetria y armonía.


EL MATRIMONIO ALNORFINI (JAN VAN EYCK).

Este es un cuadro de pequeñas dimensiones es un retrato donde presenta en un primer plano un matrimonio de ahí su nombre. En segundo plano aparece un perro que les acompaña, una ventana abierta y un espejo de fondo donde se refleja la pareja (cosa que tuvo gran impacto). 
La técnica utilizada es la del óleo sobre un pepel de roble, y un acabado con pinceladas cortas y precisas.
En la composición podemos encontrar símetria, estatica, para colocar los objetos utiliza más líneas verticales que horizontales y podemos notar un poco de geometría en las formas de la ventana y los paños acortados que caen del vestido de la señora.
Línea y color . La línea es uy fina, pero delimita los contornos y es muy detallista. Los colores de la parte derecha del cuadro son muy vivos, cálidos y reales, por el contrario en la parte izquierda predominan los colores fríos.
La luz del cuadro, es un factor importante ya que entra por la ventana que está situada al lado del hombre, y parece una luz natural, que busca dar un mayor realismo al cuadro.
Utiliza una perspectiva levemente alzada. Tiene una símetria axial y se contempla la ley de la balanza ya que tienen el mismo peso visual.